“还有一点，我希望你们不要着急，稳一点。不要随便就做出一些对自己职业生涯没有帮助，甚至伤害你们职业生涯的决定。每个年龄段就做属于这个年龄段的事情。当然了，你要是天才，当我没说。”
杨简把自己对于演技的一些理解和经验都和大家分享了，说的口干舌燥，于是他停下来喝了口水，然后提议道：“这样，光是我一个人说也没意思，大家有什么想问的，可以问我，能解答的我肯定会给出我的答案。不能的，台下老师这么多，他们也会给你们解答。”
台下表演系以外的院系学生那是举双手欢迎，比如导演系的。
“师哥，我叫韩佳女，嘿嘿。”韩佳女话没说两句，自己就先嘿嘿笑了起来。
杨简满头黑线，也不知道这妮子笑什么。
“别在那傻笑，有问题直接问。”
“嘿嘿，师哥，我想问，导演拍摄出来的作品，是需要去迎合观众，还是说坚持自己的表达？”
“这是个好问题。不过我要告诉你的是，导演不是要去迎合观众，而是引导。现在市场有两类导演最多，一类就是为了票房去迎合观众，一类就是坚持自我表达。前者认为我们需要深入了解观众需求，根据观众的喜好定制故事内容，以实现最佳市场效益。这种观点强调了市场导向的重要性，认为只有扎根观众喜好，才能赢得市场；后者认为导演应该遵循自己内心的创作冲动，表达自己的观念和价值。只有将内心的东西表达出来，观众才能读懂，一味迎合只会感到乏味。这种观点强调了艺术创作的主观性和独特性。”
“这两种观点在我看来都有些过于极端。当然，他们没有对与错，这只是一种选择。不是说去迎合观众就不好，也不是说坚持自我表达就很好。好莱坞那些大片，它不是迎合观众吗？他的内涵有多深？你去看《变形金刚》和《钢铁侠》是想要得到什么思想上的满足吗？并不是。”
“事实上，影视创作从来都不是一个非黑即白的选择题。艺术与市场也并非是站在对立面的，这两者是可以相互成就的伙伴。影视创作者不能只沉浸在自己的艺术世界中，而忽视了观众的真实需求。我们说电影是大众艺术，最终是要面向大众的，脱离了观众的创作，再高的艺术追求也不过是创作者在孤芳自赏。”
“但是完全迎合观众可能会导致作品失去独特性和深度，而一味追求艺术又可能让作品晦涩难懂。真正的解决之道在于找到两者的交汇点——既要有艺术的灵魂，又要有市场的触角。导演在拍摄商业片的时候可以在里面融入一定的哲学思考。拍摄文艺片的时候收敛一下个人表达，而是站在更广更高的视角进行创作。那种完全不顾观众的导演，本质上是傲慢的。我个人是最讨厌某些晦涩的文艺片，他们就是缺乏沟通意识，本来好好的议题反而被市场忽视。”
“电影的本质是导演与观众共同书写的‘动态契约’。伟大的作品往往既包含导演独特的生命体验，又触碰时代集体心灵。最高级的创作，是让观众在导演构建的世界中看见自己，同时让导演在观众的回响中确认表达的价值。这种双向奔赴，正是电影艺术超越‘迎合与坚持’二元对立的终极答案。起码我个人是这么认为，事实证明，我好像做的还不错。”
台下再度响起热烈的掌声，反正不管认不认同杨简说的，起码杨简就是这么做的，而且也确实让他做到了。
就算是有人想提出质疑，也找不到质疑的角度。
“师哥，您好，我是2011级导演硕士研究生班的曾赠。我们经常在网络上看到一些观众说某部电影看不懂，那我们在创作过程中需要去让观众一定要看懂我们的作品吗？”
“这个问题也是一个好问题。我以前和江文导演讨论过这个问题，大家都知道，江导经常遇到这个问题。导演的作品是否必须让观众看懂，本质上是关于电影作为艺术媒介的沟通属性与实验性探索之间的辩证关系。这个问题没有绝对答案，但可以从创作意图、观众参与度、艺术价值三个维度去分析。”
“创作意图决定可理解性的定位。首先是传达型的作品，这类作品是以沟通为核心，比如社会议题的电影，你是要批判现实，那么你就要通过清晰的叙事去传递对社会现实的批判，需确保观众理解才能实现价值共鸣。类型片，我就拿我的《盗梦空间》举例，依托科幻类型语法，在观众熟悉的结构中植入新表达。还有贾科长贾导早期作品《小武》，用纪实手法记录边缘群体，需观众看懂才能完成对社会问题的凝视。”
“其次就是探索型作品，以挑战观众认知为目的。就像实验电影，拉斯·冯·提尔导演的《狗镇》，这部电影采用舞台剧形式呈现，去除了传统场景布置，仅以白线勾勒空间。影片通过极简主义手法放大道德崩坏的寓言，探讨‘善的脆弱性’与‘恶的普遍性’。”
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